ES
Acercarse a la obra del artista Christopher Lehmpfuhl (Berlín, 1972) es emprender un viaje a través de la historia de la pintura. Su proceso artístico es heredero del atrevimiento impresionista de pintar directamente en los espacios representados (es un pintor en plein air) independientemente de las condiciones climáticas, y de la convicción expresionista de que el arte es un canal para plasmar la subjetividad del artista, en este caso a través de sus paisajes urbanos y naturales.

EN
To discover the work of the artist Christopher Lehmpfuhl (b. Berlin, 1972) is to embark on a journey through the history of painting. His artistic process is inherited from the bold impressionist tradition of painting in the place being depicted (he’s a plein air painter) whatever the weather, and from the expressionist conviction that art is a channel for giving expression to the artist’s subjectivity, in this case through his urban and natural landscapes.

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Pathos. Christopher Lehmpfuhl en la Colección Würth
Pathos. Christopher Lehmpfuhl in the Würth Collection

ES
En 1999 se inauguró en el Museum Würth de Künzelsau (Alemania) la exposición Spanische Kunst am Ende des Jahrhunderts (Arte Español en el fin de siglo) comisariada por el Catedrático de Historia del Arte Kosme de Barañano. Aquella exposición no solo supuso abrir la Colección Würth a nuevos artistas españoles más allá de Picasso, Miró y Dalí, sino que también significó el germen de la Colección Würth España y del Museo Würth La Rioja. Barañano se concentró en la obra de 10 artistas vivos cuya obra consideraba imprescindible y poseedora de una individualidad que destacaba en el contexto general del arte español: Alfonso Albacete, Alberto Corazón, Eduardo Chillida, Luis Gordillo, Koldobika Jauregi, Blanca Muñoz, Miquel Navarro, Antonio Saura, Antoni Tàpies y Manolo Valdés.

Con motivo del 20º Aniversario de aquella exposición, propusimos al mismo comisario actualizar su mirada sobre el arte español de las últimas décadas y reeditar la muestra desde una posición contemporánea. El resultado es Arte Español a partir de la Colección Würth que Barañano ha construido desde los fondos de la Colección Würth contando con los 10 artistas que formaron parte de la muestra original e incluyendo a otros 16 cuya trayectoria es, en sus palabras, “poseedora de un timbre particular, una personal dicción y un particular pensamiento plástico”.

EN
In 1999 the exhibition Spanische Kunst am Ende des Jahrhunderts (Spanish Art at the Turn of the Century) curated by Kosme de Barañano, Full Professor of Art History, was launched at the Würth Museum in Künzelsau (Germany). That exhibition not only opened up the Würth Collection to new Spanish artists beyond Picasso, Miró and Dalí, but also signified the germ of the Würth Spain Collection and the Museo Würth La Rioja. Barañano focused on the work of 10 living artists whose work he considered essential, possessing an individuality that stood out in the general context of Spanish art: Alfonso Albacete, Alberto Corazón, Eduardo Chillida, Luis Gordillo, Koldobika Jauregi, Blanca Muñoz, Miquel Navarro, Antonio Saura, Antoni Tàpies and Manolo Valdés.

On the occasion of the 20^th Anniversary of that exhibition, we asked again Kosme de Barañano to update his perspective on Spanish art of the last decades and to reproduce the exhibition from a contemporary position. The result is Spanish Art and the Würth Collection, which Barañano has put together from the Würth Collection with the 10 artists who were part of the original exhibition as well as 16 others, whose careers, in his words, “possess a unique timbre, a personal diction and a particular plastic thought”.

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Arte español a partir de la Colección Würth
Spanish Art and the Würth Collection

Prensa/Exposiciones
20/06 -
20/10/19
DOBLE SENTIDO E IRONÍA EN
LA COLECCIÓN WÜRTH ESPAÑA/
DOUBLE SENSE AND IRONY IN
THE WÜRTH SPAIN COLLECTION

ES
La ironía y el humor son potentes herramientas de comunicación de ideas, de crítica social y de ruptura de la presión. Su uso como figura literaria es antiguo; sin embargo, en la construcción de imágenes, la sátira y la mordacidad tuvieron un recorrido más sólido que la ironía, que requiere de sutileza y de inteligencia, de un trazo fino en la construcción de los significados, precisamente porque el significado es explícitamente contrario a lo que muestra la imagen. El Dadaísmo puso a la ironía en la primera línea de los mecanismos de crítica de los contextos (como La fuente -1917- el famoso urinario de Duchamp) y desde entonces no ha dejado de ser uno de los recursos que con más éxito utilizan los artistas.

La selección de obras de la Colección Würth España que se podrán visitar en esta muestra se mueven a medio camino entre lo näif y la crítica aguda, entre lo risible y lo dramático, pero en todas ellas encontramos un uso de la ironía y el doble sentido como mecanismo de análisis de la realidad.

EN
Irony and humour are powerful tools for communicating ideas, for social criticism, and for breaking tension. Their use as a literary device is ancient; in the construction of images, however, satire and incisiveness have played a stronger role than irony, which requires subtlety and intelligence, treading a fine line in the construction of meaning, precisely because the meaning is explicitly opposite to what the image shows. Dadaism placed irony at the forefront of the mechanisms for the criticism of contexts (like Fountain -1917- Duchamp’s famous urinal) and since then it has continued to be one of the resources used most successfully by artists.

The selections of works from the Würth Spain Collection included in this exhibition lie halfway between näif and sharp criticism, between the risible and the dramatic, but in all cases, we find the use of irony and double meaning as a mechanism for analysing reality.

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Doble sentido e ironía en la Colección Würth España
Double Sense and Irony in the Würth Spain Collection

Prensa/Exposiciones
20/04/2018-
28/04/2019
La llamada del bosque
Forest Fascination 

ES
La fascinación por el bosque y por los árboles es transcultural y atemporal, por eso ha sido tratada por los artistas más significativos de prácticamente todas las artes y todas las culturas. La llamada del bosque, árboles y madera en pintura y escultura de la Colección Würth, pretende profundizar en esta atracción a través de un recorrido por la representación del bosque en las artes plásticas desde el Impresionismo hasta la actualidad. La exposición supone una llamada metafórica, un encuentro con nuestra parte más atávica, con la belleza de lo salvaje, con los bosques mitológicos y con la necesidad, por salubridad urbana, de integrar la naturaleza en las ciudades. Pero es también una llamada concreta, a destiempo, una llamada de auxilio de los bosques por la alarmante deforestación y las irreversibles consecuencias de ésta para todos los habitantes del planeta.

EN
The fascination with the forest and trees transcends cultures and time, which is why this subject has been engaged with by leading artists across virtually all art forms and cultures. Forest Fascination. Trees and Wood in Paintings and Sculptures of the Würth Collection dives deep into this attraction, taking a journey through the representation of the forest in the plastic arts from Impressionism to the present day. The exhibition is a metaphorical call, an encounter with our most atavistic side, with the beauty of the wild, with mythological forests and with the need, for our urban wellbeing, to integrate nature into our cities. But it is also a specific call, one already coming far too late, a distress call from the forests about the alarming rate of deforestation, and the irreversible consequences of this for all the inhabitants of our planet.

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La llamada del bosque.
Árboles y madera en pintura y escultura de la Colección Würth
Forest Fascinatión.
Trees and Wood in Paintings and Sculptures of the Würth Collection

Prensa/Exposiciones
10/03/17 -
02/04/18
Todo es movimiento
All is Motion

ES
París, 1955; la galerista Denise René organiza, ayudada por el artista húngaro Víctor Vasarely, una exposición que influirá decisivamente en el desarrollo del arte abstracto de mediados del siglo XX. La exposición se llamó Le Mouvement (El movimiento) y ayudó a definir el Arte Cinético como una nueva corriente artística. En ella participaron jóvenes creadores como Yaacov Agam, Robert Jacobsen, Jesús Rafael Soto o Jean Tinguely junto a reputados artistas del siglo XX como Marcel Duchamp, Alexander Calder o el propio Vasarely. Unos años más tarde, en 1965, el MoMA de Nueva York inauguró su exposición The Responsive Eye (El ojo sensible) y con ella consagró el Op Art (Arte óptico) como una de las ramas de la abstracción geométrica fundamentales de la segunda mitad del siglo XX: muchos de los artistas de la exposición de Denise René expusieron también en el MoMA o en las muchas galerías de Nueva York que se volcaron con la exposición y convirtieron el Op Art en la tendencia de moda del momento, ocupando un efímero papel como la contraparte abstracta del Pop Art.

EN
In 1955, Denise René, a Parisian gallery owner, held an exhibition that would have a decisive influence on the development of mid-20th century abstract art, with the help of the Hungarian artist Victor Vasarely. It was called Le Mouvement (The Movement), and it played a key role in defining Kinetic Art as a new artistic movement. The exhibition drew emerging young artists such as Yaacov Agam, Robert Jacobsen, Jesús Rafael Soto and Jean Tinguely, as well as such 20th century luminaries as Marcel Duchamp, Alexander Calder and Vasarely. Some years later, in 1965, the MoMA in New York opened The Responsive Eye, an exhibition that consecrated Op Art (Optical art) as one of the essential branches of geometric abstraction in the latter half of the 20th century. Many of the artists who had exhibited at Denise René’s gallery were also present at the MoMA’s exhibition, and several other New York galleries, which were enamoured with the exhibition, made Op art -Pop art’s short-lived abstract counterpart- the flavour of the moment.

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Todo es movimiento, Op Art y Arte Cinético en la Colección Würth

En el año 1937 Miró había salido de España y acudía a clases de desnudo a la Académie de la Grande Chaumière, donde realizó un importante conjunto de dibujos a lápiz de personajes grotescos, casi monstruosos, como una rebelión personal ante la violencia de los tiempos y una muestra más de su interés en "asesinar la pintura". Uno de estos dibujos, abre la exposición "Huellas de tinta. Joan Miró en la Colección Würth" que reúne por primera vez en España gran parte de los fondos del artista en nuestra colección.

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Huellas de tinta. Joan Miró en la Colección Würth

Espadaysantacruz dicen que les “gusta mostrar cómo cohabitan lo digital y lo analógico”. La luz no está sometida a las leyes de la mecánica por eso el tratamiento que hacen de ella en Light Kinetics genera una imagen mágica, una gravedad imposible que transforma la luz en arte. Gracias al control digital de la luz consiguen que un elemento inmaterial se comporte orgánicamente igual que un fluido sometido a las fuerzas de la mecánica. Esta relación entre lo material y lo inmaterial es lo que genera la poética universal de su obra.

Prensa/Exposiciones
20/03/15 - 28/02/16
ART FACES
Retratos de artista en
la Colección Würth
#ARTFACES

ART FACES es una exposición de fotografía que nos acercará a algunos de los rostros que han protagonizado la Historia del Arte del siglo XX. Esta colección de retratos de artistas, iniciada por el fotógrafo François Meyer, está formada por más de 250 fotografías de 40 fotógrafos entre ellos Michael Sima, Arnold Newman, August Sander, Gianfranco Gorgoni y el propio François Meyer.

Esta exposición contará con una selección de 170 fotografías que irán acompañadas de obras originales de artistas como Picasso, Jean-Michel Basquiat, Gabriele Münter, Eduardo Arroyo, Jean Arp o Andy Warhol.

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ART FACES, Retratos de artistas en la Colección Würth

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ART FACES, Retratos de artistas en la Colección Würth

Prensa/Exposiciones
29/03/14 - 22/02/15
Somos, sois, eres, soy:
4 lecturas de lo humano en la Colección Würth España

El problema de la definición de lo humano tiene una larga tradición en la Historia de la Filosofía; desde la tradición filosófica griega han sido muchos los académicos que se han concentrado en tratar de comprender y explicar en qué consiste la condición humana.

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Prensa/Exposiciones
15/03/13
La magia está en la imagen
Arte Contemporáneo de la abadía benedictina Maria Laach en la Colección Würth

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Prensa/Exposiciones
29/06/12
Ricard Salvatella. It never rains in postcard

Ricard Salvatella (Barcelona, 1969) comenzó su trayectoria profesional a principios de los 90, a la vez que llevaba a cabo su formación Universitaria en Geografía e Historia. En aquellos momentos se habían pronosticado tanto “el fin de la historia” como “la muerte de la pintura”, dos teorías que han condicionado que su trayectoria artística haya sido tan personal como independiente.

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Prensa/Exposiciones
19/11/11
David Rodríguez Caballero. Glaciers

David Rodríguez Caballero inaugura el próximo 19 de noviembre, en el Museo Würth La Rioja (Pol. Ind. El Sequero. Agoncillo), Glaciares/Glaciars, la exposición más ambiciosa e importante de su carrera.

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Prensa/Exposiciones
09/04/11
A. Mateu. el bosque quemado

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Prensa/Exposiciones
04/03/11
75/65 El coleccionista, la empresa y su colección

El título de esta exposición codifica dos acontecimientos celebrados por Würth en 2010. Por un lado, el Prof. Dr. h. c. mult. Reinhold Würth cumplió 75 años y por otro, su empresa alcanzó los 65 años de actividad. La presente exposición, que fue concebida para conmemorar ambos hechos, se mostró en el Museum Würth de Künzelsau durante el pasado 2010, y llega ahora como segunda sede al Museo Würth La Rioja.

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Prensa/Exposiciones
26/11/10
Medina-Campeny. esculturas

Lo humano, asumiendo conscientemente la complejidad de este concepto, se encuentra en el centro del proyecto artístico del escultor catalán Xavier Medina-Campeny (Barcelona, 1943).

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Prensa/Exposiciones
09/07/10
Félix J. Reyes. Aún aprendo

El título de esta exposición, Aún aprendo, la mayor retrospectiva de Félix J. Reyes hasta el momento, hace referencia a esa especial condición de algunos (pocos) artistas que, aunque consagrados, siguen manteniendo intacta su capacidad de experimentar, de reinventarse, de aprender.

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Prensa/Exposiciones
26/05/10
La mirada del Coleccionista

La mirada del Coleccionista reúne una selección de 115 piezas de 53 artistas de entre las adquisiciones de la Colección Würth a lo largo de los últimos tres años. La selección fue realizada por el propio Reinhold Würth y su Consejo Asesor de Arte para la exposición Im Blick des Sammlers (La mirada del Coleccionista), que se expuso en el Museum Würth en Künzelsau a lo largo del año 2009.

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